Historia del cine

IRIS SANCHEZ Y VIRGINIA SENDÍN (BH1B)

TRABAJO SOBRE CINE

PARTE 1:

 

1. ¿Qué es el pre-cine?

El precine es el cine anterior al cine.

2. Los orígenes: el invento, el cine a finales del s. XIX

El cine, es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo. La palabra «cine» designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas. Etimológicamente, la palabra «cinematografía» fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas.

3. Los pioneros

En 1996 se celebraba el primer centenario del cine español. A día de hoy, no se sabe a ciencia cierta cuál fue el primer filme que se rodó y estrenó en España. Lo que sí es cierto es que, como ocurría en otros países, las primeras exhibiciones cinematográficas corrían a cargo de los corresponsales que los hermanos Lumière enviaban allí donde mayor difusión pudiera tener su ingenio.

4. nacimiento del lenguaje cinematográfico

http://audiovisual-unpa.blogspot.com.es/2008/03/el-nacimiento-del-lenguaje.html

Hablar del lenguaje cinematográfico o de la historia del cine, supone hacer referencia en innumerables ocasiones a la figura de DAVID WARK GRIFFITH -1874/1948-.

Su nombre no es de sobra conocido porque en innumerables ocasiones -montaje, sin ir más lejos-, hemos tenido que citarlo inevitablemente al repasar el lenguaje cinematográfico.

Se le considera, por derecho propio, el padre del cine moderno, si bien sabemos que en muchas ocasiones, lo que hace Griffith es consolidar logros anteriores: el primer plano o el plano detalle, para dar mayor énfasis y dramatismo, el encadenado, el flashback, los montajes -alternante, paralelo, invertido-, la iluminación, los movimientos de masas..

Procedía de una familia sureña en la que el padre había sido coronel del ejército confederado -lo que le habría de influir ideológicamente en algunos planteamientos, “El nacimiento de una nación”, por ejemplo-. Tras unos inicios como actor, comenzó a dirigir para la Biograph en 1908 con la que trabajó hasta 1913, en lo que puede considerarse su periodo de aprendizaje. Du­rante este periodo estudia y analiza las aportaciones del cine europeo y del director americano Porter. De esta época, Griffith se atribuye el empleo por pri­mera vez de recursos narrativos como el primer plano, el flashback, el fun­dido en negro, el uso de rótulos, etc

Cuando se marcha de la Biograph, Griffith lleva a cabo una serie de proyectos que le permitieron tener un alto grado de control personal sobre su realización: fue el primero de los productores que llamaríamos independientes, dando lugar a una figura que no sería habitual hasta la caída de los grandes estudios en los años 50, la del director como controlador principal de la película.

Hacia 1914, cuando realizó El nacimiento de una nación, ya había establecido las bases de todos los futuros desarrollos de la expresión cinematográfica, así como de la industria cinematográfica americana (al aumentar poco a poco el metraje de sus filmes).

Su periodo de madurez se inicia con “El nacimiento de una nación“, en 1915,en la que plantea el montaje alternante, película basada en la guerra de Secesión y que le ocasionó más de un disgusto por sus tintes racistas. Para compensar, en cierta medida, las críticas ideológicas, en 1916, estrena “Intoleran­cia”, con un montaje paralelo, es­pectacular retrato de la hipocresía y la intole­ran­cia en cuatro épocas dis­tintas y con episodios como el de Babilonia que pasaron ya a los anales del cine: trabajaron 15 mil figurantes, intervinieron 250 carros de guerra; una estructura de madera simulaba las grandes murallas de Babilonia cuyo palacio estaba rodeado de torres de 70 m. de altura…. Globalmente se usaron 60 mil figurantes, obreros, actores, ebanistas, técnicos, etc.,, durante los 22 meses de rodaje. En conjunto supuso un millón novecientos mil dólares. (Sin embargo fue casi un fracaso total especialmente por problemas de censura: los judíos no estaban conformes con la visión que daba de la pasión de Cristo, los franceses no permitieron la visión del episodio de la matanza de los hugonotes y en Europa, en general, el tinte antibelicista hizo que fuera prohibida mientras duró la 1ª guerra mundial).

Más tarde, con Chaplin, Mary Pickford y Douglas Fairbanks, crea su pro­pia productora (1919), la United Artist para la que realizará ya una serie de películas que inician su deca­dencia.

5. Las vanguardias (años 20): surrealismo. expresionismo. las vanguardias rusas.

El nombre de Literaturas de Vanguardia fue acuñado durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918) para designar a una serie de inquietudes artísticas que se sitúan en la “avanzadilla” cultural del momento. El vanguardismo significó uno de los momentos de mayor unidad entre los artistas europeos que se proyectaron hacia la construcción de una nueva cultura y, por tanto, de una nueva sociedad.

Pero el vanguardismo no fue ni mucho menos una tendencia unitaria sino que estuvo formado por una gran cantidad de movimientos, cada uno de ellos con peculiaridades, intenciones y técnicas propias. Lo que tuvieron en común fue el deseo de crear un arte radicalmente nuevo y que rompiese definitivamente con el realismo.

Pueden señalarse, eso sí, algunas características generales comunes a los diferentes movimientos de la vanguardia:

- Internacionalismo . Frente al nacionalismo de la literatura anterior, preocupada por la problemática social de cada país, los artistas de vanguardia se consideraron ciudadanos del mundo -del mundo del arte, se entiende- y preocupados por cuestiones universales más que particulares.

- Antitradicionalismo . Desprecian todo lo heredado de periodos anteriores, tanto en lo referente a temas como a formas de expresión. De esta postura derivan algunos otros caracteres:

- Renuncian por principio a toda ilusión de realidad (base del arte anterior). Intentarán expresar su visión de la vida mediante la deliberada deformación de los objetos naturales. Su relación con la naturaleza no se basará en la imitación sino en la “violación” de la misma.

- Son movimientos de choque que no aspiran a permanecer mucho tiempo sino al continuo cambio. Algunos apenas llegaron a durar unas horas.

- Buscan la originalidad, la individualidad, la diferencia, la novedad. Abren caminos nuevos, de ahí el término “vanguardia”.

- Es un arte intelectual , minoritario y dirigido solamente a aquellos que son capaces de comprenderlo.

- Es un arte fiel a su época y p or eso refleja el espíritu de su tiempo: las máquinas, el progreso, la técnica, las diversiones, el deporte, el humor ... pero también refleja los aspectos más negativos de la sociedad moderna.

- Es un arte fundamentalmente feo , el primero en acentuar de forma general lo grotesco en nuestra cultura occidental.

- Es un arte deshumanizado , desprovisto de sentimientos y pasiones humanas. El arte se reduce en muchas ocasiones a simple juego formal.

- Busca la espontaneidad , no el trabajo previo y minucioso.

- Su tema principal será la contradicción . Este hecho explica, por ejemplo, que algunos movimientos exalten los valores positivos del mundo moderno (futurismo), mientras que otros se centran en los aspectos negativos (expresionismo o surrealismo).

- El arte de vanguardia se valdrá de dos herramientas principales:

- El humor , porque es útil para desmitificar y desdramatizar

- La metáfora (culto a la imagen), en la que los términos que se comparan tienen poca relación entre sí.

- Libertad absoluta del artista. Libertad llevada hasta el extremo, por ejemplo, de romper con la lógica o con los idiomas conocidos.

- Existencia de una conciencia de grupo dentro de los distintos movimientos, manifestada en una común sensibilidad artística, en la tendencia a la institucionalización de los postulados en manifiestos y en la existencia de órganos de expresión comunes (revistas, exposiciones, reuniones y otras actividades).

- Relación de dependencia entre distintas artes: la pintura invade la lírica, la música se traslada al verso, la letra llega a los cuadros, el pensamiento determina la plástica, etc. En este sentido, tuvo mucha importancia el cine, visto a modo de amalgama de distintas artes: pintura, literatura, escultura, música, novela, teatro. También se advirtió la capacidad del cine para generar mitos nuevos que superasen los ya agotados (Charles Chaplin, Buster Keaton, Greta Garbo, etc.). 

El surrealismo, nacido en Francia alrededor de los años 20, trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Breton, teórico del surrealismo y en torno al cual surge el movimiento, señala en su Primer Manifiesto del Surrealismo (1924): “Creo en el encuentro futuro de esos dos estados, en apariencia tan contradictorios, como son el sueño y la realidad, en una especie de realidad absoluta, de surrealidad”. Según la definición otorgada por André Breton el surrealismo es un “automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar, sea verbalmente, sea por escrito, sea de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento”. Se trata pues de un verdadero “dictado del pensamiento”, compuesto “en ausencia de todo control efectuado por la razón, fuera de cualquier preocupación estética y moral”.

El surrealismo se presenta a sí mismo como una revolución que ataca el orden lógico, el orden estético y el orden moral.

El surrealismo intentó realizar una ruptura cultural con toda una serie de obras, actitudes y manifiestos anteriores, así como mostrar su profundo desprecio hacia la sociedad y la cultura burguesas. Intentó ser una revolución, que apelando al poder de lo inconsciente, utilizó la irracionalidad, el mundo de los sueños, e incluso la locura para poner de manifiesto qué pueden deparar los territorios inexplorados del espíritu humano.

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.

Vanguardias rusas se entiende como constructivismo al movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después dela Revoluciónde Octubre.

El término «constructivismo» aparece por primera vez como algo positivo en el Manifesto realista (1920) de Gabo Diem.

Características:

-La obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se materializa en ella.

-La obra se abre por todas partes hacie el espacio y consta de elementos, frecuentemente transparentes, de formas geométricas, lineales y planas.

-Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.

-Hace hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica, y es geométrico y funcional.

-Al igual que el futurismo, el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las “propuestas” de la tecnología y la mecánica industriales. Sin embargo, la peculiar situación sociopolítica de la época caracterizó y distinguió el constructivismo.

-Tiene muchos puntos de contacto con el cubismo, el futurismo, el suprematismo y el dadaísmo.

6. Neorrealismo

Surge en un momento previo a las transformaciones mundiales del cine, antes de los “nuevos cines”. Desde 1945 a 1960 aparecen lo que se llaman los cines nacionales, es decir, que toman valor cines provenientes de países que antes no habían llegado a ningún lugar: Japón (Kurosawa, Ozu...), La India, etc. Es un momento en el que estos cines nacionales cada vez tienen más importancia, con la excepción de África, que surgirá más tarde.

En Europa también hay fenómenos que tienen lugar tras la Segunda Guerra Mundial. La cinematografía alemana queda diezmada tras la guerra y países como España o la URSS se dedicarán a un cine marcado por el totalitarismo que gobernaba el país.

El comienzo de las transformaciones decisivas que materializarán los nuevos cines llegará con el Neorrealismo italiano, que tendrá una gran influencia en el resto de los países. Este despertar a la modernidad del cine italiano no detiene la lucha entre esos nuevos cines y Hollywood. Hay, sin embargo, muchos cineastas que empezarán a crear reivindicando la capacidad del cine como producto cultural (en vez de comercial), que sea la expresión de un cineasta, entendido como artista. Como consecuencia del trabajo de estos directores se crean nuevas posturas técnicas y críticas: Cahiers du cinema. Surgirán públicos cinéfilos educados en el cine y con una capacidad más alta de comprender, que exigen más y están dispuestos a aceptar estas ofertas, y que reconocerán una obra de arte.

Contexto histórico de Italia en 1945: el país tiene que comenzar una reconstrucción, de todo tipo.

En este momento surgirá el neorrealismo. El nombre se le dará a finales de los 40. Es un movimiento bastante ecléctico, no hay una definición única, sino que tiene que ver con la aparición de unos determinados directores y determinadas películas. No será un movimiento que domine toda la producción italiana, también se harán otras películas. Pero aporta unas características con las que se identifica al cine italiano de esa época. Influirá a las demás artes y a las cinematografías internacionales.

7. Nouvelle vague

 (Nueva ola) es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

8. Free Cinema
Reaccionando frente a la tradición cinematográfica y dramatúrgica británica, un grupo de autores propuso, a fines de la década de los cincuenta, una renovación de esas actividades, atendiendo en mayor grado a los temas que interesaban a las clases más populares. Ese conjunto de creadores recibió el nombre de "Los jóvenes airados", y uno de sus principales activistas e impulsores fue el escritor John Osborne. En torno suyo, fueron reuniéndose varios cineastas, influidos por las nociones puestas de actualidad por la nouvelle vague francesa. Su intención de elaborar un cine socialmente comprometido dio lugar a la corriente denominada british social realism (realismo social británico), también llamado free cinema, que no era sino un modo de reaccionar a la artificialidad narrativa de Hollywood.

Entre los más distinguidos defensores de la nueva tendencia figuraban los críticos de las revistas "Sequence" y "Sight and Sound", quienes propusieron como pauta el largometraje Un lugar en la cumbre (1959), de Jack Clayton, producido por James y John Woolf Remus, e inspirado en una novela de John Braine.

Los fundadores de "Sequence" eran Lindsay Anderson, Gavin Lambert, Tony Richardson y Karel Reisz, y entre sus principales intenciones figuraba la puesta en práctica del manifiesto inaugural del grupo, publicado en 1957. Muy conocido en el ámbito teatral, Anderson rodó varios documentales que recogían los principios del movimiento. Entre ellos figuran Foot and mouth (1955) y Every day except Christmas (1957). A éstos cabe añadir dos largometrajes, El ingenuo salvaje (1963) e If... (1968). Precisamente el protagonista de este último filme, Mick Travis (encarnado por Malcolm McDowell) fue recuperado por Anderson en dos películas posteriores, O Lucky man! (1973) y Britannia Hospiral (1982), donde insistía en su crítica a los estamentos más poderosos de la sociedad británica.

Reisz, de origen checo, publicó en "Sequence" y "Sight and Sound" varios artículos en torno a la narración cinematográfica. Como fruto de ese interés, dio a conocer en 1953 su libro "The technique of film editing", escrito junto a Gavin Millar. Los primeros pasos de Reisz en el cine los dio con Lindsay Anderson y Tony Richardson. Junto a Richardson rodó el documental Momma don’t allow (1955). Posteriormente, estrenó We are the Lambeth Boys (1959) y un largometraje de ficción, Sábado noche, domingo mañana (1960). No obstante, títulos posteriores de su carrera, como Isadora (1969) y La mujer del teniente francés (1981), escapaban del ámbito del free cinema.

Tony Richardson era director teatral, había trabajado en la BBC como productor entre 1952 y1955, y elaboró junto a Reisz el mencionado proyecto de Momma don’t allow. Bien recibido por la crítica, este documental se comercializó en 1956, el mismo año en que John Osborne estrenaba la obra teatral "Mirando hacia atrás con ira", donde cristalizaba el mensaje provocador de los "jóvenes airados". Richardson, encargado de dirigir la puesta en escena, filmó luego su adaptación cinematográfica, Mirando hacia atrás con ira (1959), a la que siguieron nuevas muestras del free cinema como El animador (1960), Réquiem por una mujer (1961) y La soledad del corredor de fondo (1962).

La influencia del free cinema nunca ha desaparecido del cine británico. Entre sus más importantes herederos figuran Ken Loach y Stephen Frears, quien precisamente comenzó su carrera profesional junto a Lindsay Anderson y Karel Reisz. Filmes de Frears como Mi hermosa lavandería (1985), Ábrete de orejas (1986) y Sammy y Rose se lo montan (1987) proclaman la vigencia de algunos de los principios que defendió el grupo original.

9. Cine independiente americano.
Una película independiente americana es la que se produce, en su totalidad o en una gran parte, fuera de los grandes estudios cinematográficos.
Por lo habitual, la encargada de llevar a cabo este tipo de películas es una productora pequeña, con un bajo presupuesto.
Es un cine independiente con respecto  a la gran y poderosa industria cinematográfica de Hollywood. Esta independencia le permite tener el control artístico de la película.
El cine independiente es mucho más intimista, personal, emocional y está centrado en pocos personajes.
Los cineastas del cine independiente tienden a inclinarse hacia un universo ligado a la realidad (aunque a veces aparezca distorsionada), un universo cotidiano donde se analizan los distintos problemas entre individuo y sociedad, reflexionando al mismo tiempo sobre la naturaleza y condición del ser humano.
Es un cine que choca con el ideal del sueño americano. Un cine cuyos protagonistas son perdedores que viven a la sombra de una sociedad incapaz de entender sus conflictos vitales, seres anónimos que se encuentran confusos y que buscan su lugar en el mundo.

Estas definiciones las podemos aplicar generalmente a la mayoría de las películas independientes de la época actual. Ahora bien, vamos a ver en un pequeño resumen de como nació el cine independiente.

10. Cine Dogma

En 1995 se reunieron los directores daneses Lars Von Trier, Thomas Vinterberg, Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen con el fin de crear un movimiento llamado Dogma 95, cuya meta era producir películas más simples, sin modificaciones en la post-producción. Los directores se ponian de acuerdo para seguir unas normas (llamadas de castidad) para realizar las películas, y solo si cumplian todas podian ser consideradas unas películas Dogma, y conseguir el certificado (la imagen de la cabecera).

A continuación pondré el manifiesto de de Dogma 95, en el que se explican los motivos por los cuales quieren crear este movimiento, que les ha impulsado a hacerlo y sobretodo, que reglas deben seguir para poder conseguir una película dogma.

DOGMA 95 es un colectivo de cineastas fundado en Copenhague en la primavera de 1995.

Actualmente, una tormenta tecnológica está causando furor, el resultado será la democratización suprema del cine. Por primera vez, no importa quién es el que hace las películas. Pero, cuanto más accesibles se hacen los medios, más importante es la vanguardia. No es algo accidental por lo que la vanguardia tiene connotaciones tecnológicas. La respuesta es la disciplina… debemos ponerles uniformes a nuestras películas, porque el cine individualista será por definición decadente.

DOGMA 95, para levantarse en contra del cine individualista, presenta una serie de reglas indiscutibles conocidas como el voto de castidad.

Previsiblemente el drama se ha convertido en el becerro de oro alrededor del cual todos bailamos. Hacer que la vida interior de los personajes justifique el argumento es demasiado complicado, y no es arte auténtico. Ya que, anteriormente, nunca las películas artificiales y las acciones superficiales recibieron toda la atención. El resultado es estéril. Una ternura ilusoria, un amor de ilusión.

Actualmente, una tormenta tecnológica está causando furor : elevemos los cosméticos a Dios. Utilizando la nueva tecnología, cualquiera en todo momento puede lavar los últimos restos de verdad en un abrazo mortal a las sensaciones. Las ilusiones son todo lo que una película puede esconder.

DOGMA 95 se levanta contra el cine de ilusión, presenta una serie de reglas indiscutibles conocidas como el voto de castidad.

11. El cine español en los 60. Escuela de Barcelona.